Une bataille de trop – Yoel Sharon

Festival du film d’Haïfa, le 23 septembre 2013. – Un homme sur un fauteuil roule jusqu’au premier rang de la salle de cinéma du musée Tikotin. Quelques instants plus tard, il apparaît à l’écran un appareil photo à la main. Il est au bord de la mer, sur une plage, avec un ami. Mélancolique, il photographie des oiseaux qui volent dans le ciel. Rapidement des coups de feu retentissent à chaque fois qu’il appuie sur le déclencheur. A l’écran, l’objectif de l’appareil se confond alors avec la mire d’un fusil automatique. Des images de guerre prises au début des années 1970 apparaissent alors par rafale. L’homme chute de son fauteuil. Il roule sur le sable, il rampe. Il tient toujours son appareil, il continue de prendre des photographies, puis il s’interrompt. Il a le regard perdu dans le vague. Il est montré comme étant un homme brisé, tant physiquement que psychologiquement.

La voix off vient alors expliquer le dispositif filmique; ce qui est donné à voir dans cette séquence d’ouverture c’est l’anamnèse douloureuse vécue chaque année depuis 1973 par le réalisateur, Yoel Sharon. Ce dernier a participé à l’attaque de la ville de Suez à la fin de la guerre du Kippour. Il a été blessé. Il ne s’en est jamais vraiment remis. Il a toujours refusé d’en parler. Par la suite, à chaque fois qu’il évoque précisément cette période ce sont des séquences d’animation, comme dans Valse avec Bachir (2008), qui apparaissent à l’écran. Cependant, à la différence du film d’Ari Folman, il y a une constante alternance entre ces plans et l’enquête telle qu’elle a été menée au présent. L’intrigue se noue autour de ces aller-retours entre passé et temps présent. L’image animée correspond au retour du refoulé.

L’image est moins stylisée que dans le film de 2008 (à gauche ci-dessous), elle est plus brute, plus dure, les traits des visages et les ombres sont plus marqués (à droite ci-dessous). Les paroles échangées entre les soldats des différentes unités engagées sont plus rapides et les bruits des combats sont plus assourdissants (ils ont été conservés dans les archives de l’armée). Cette forme audio et visuelle rend compte de ce qui hante la mémoire du réalisateur et qui trouve, quarante ans après les faits,  une manière de s’exprimer.

En effet, au moment où débute le film, Yoel Sharon se dit prêt à se confronter à ce passé traumatique. Il explique qu’il a perdu la plupart des hommes de l’unité qu’il dirigeait dans les troupes d’élite de Tsahal. Il prend sa voiture. Il décroche son téléphone. Il retrouve petit à petit les soldats avec lesquels il s’est battu. Ils racontent lors des réunions organisées au domicile de l’un d’entre eux que de nombreux soldats de l’armée régulière sont décédés lors de cette bataille. Au total, 130 morts (côté israélien) sont à dénombrer dans cette attaque manquée. A cela, s’ajoute que l’assaut a été donné le 24 octobre 1973 au matin, soit quelques heures après un accord de cessé le feu entre l’Égypte et Israël. Le film porte donc sur une bataille perdue et sur une attaque qui a lieu alors que la guerre était déjà finie. Une bataille de trop, comme l’indique le titre du film, One Battle Too Many (2013). Une charge aussi veine que désordonnée, comme le révèle les documents consultés par le réalisateur dans les archives de l’armée israélienne. Une bataille qui n’a pas été intégrée (ou que très partiellement) à l’histoire nationale. Comme dans le cas de Valse avec Bachir (référence ici incontournable), qui portait sur le massacre de Sabra et Chatila, il s’agit de se confronter à une phase peu glorieuse du passé récent d’Israël.

Une phase sur laquelle, à l’exception de Yoel Sharon, personne dans les troupes d’élite ne veut revenir. Une bataille dont les familles des soldats de l’armée régulière tués au combat portent seules la douloureuse mémoire. Un événement qui manque d’explication. Un combat dont les soldats n’ont toujours pas véritablement compris l’enjeu. La raison du silence partagée par chacun d’entre eux repose en partie là. Il ne s’explique pas pourquoi ils ont livré cet assaut. Ils ne saisissent pas vraiment quel était le plan de bataille. Ils ne comprennent pas. Ils ne sont pas fiers. Ils n’arrivent pas à parler aux parents des soldats tués. Ils éprouvent des difficulté à assumer le fait d’avoir dû abandonner le corps de certains soldats en territoire ennemi. Ils se mentent. Ils mentent. Et surtout, ils ne parlent pas. Le réalisateur les convainc cependant de participer à son projet. Il parle de voyage à faire ensemble; d’une volonté de dépasser une douleur trop longtemps tue.

Bien que portant sur la fin d’une guerre, One Battle Too Many, n’est pas un film de bataille, il s’agit d’un film de soldats, dans l’acception la plus anthropologique du terme. Il est question d’hommes qui se retrouvent, partagent – enfin – devant la caméra ce qu’ils ont ressenti dans leurs corps durant ces quelques heures d’octobre 1973. L’excitation, la peur, la confusion, l’inorganisation sont rendues dans toute leur violence par les images animées, qui se répètent. La vision est toujours subjective, littéralement embarquée. Il n’est jamais question d’écrire l’histoire, c’est-à-dire (entre autres) d’adopter le point de vue de l’autre (l’ennemi) ou d’apporter des explications politiques, sociales et culturelles (et non seulement militaires). Il s’agit de raconter leur rôle dans cette histoire. Ils reviennent surtout sur le trauma qui les hantent depuis cette période. Ils tremblent. Ils hésitent. Ils se mettent en colère. Ils pleurent. Ils cherchent à comprendre. Ils cherchent à accepter ce qu’ils ont fait et surtout ce qu’ils n’ont pas pu faire – sauver tous les soldats de l’armée régulière pris dans Suez. Il y arrivent tant bien que mal. Ils nouent, dans tous les cas, le dialogue avec les familles des soldats tués. Ils proposent des éléments d’explications, des récits qu’ils s’étaient refusé à livrer depuis quarante ans. Il n’y a là rien de glorieux.

La caméra de Yoel Sharon les accompagne toujours, devenant ainsi un acteur très présent, de chacune de leurs rencontres. Elle est toujours visible et placée à hauteur d’homme. Il impose sa présence. Elle dérange. Elle ne vient rien expliquer. Elle tourne autour du réalisateur, qui lui-même s’approche de chacun des protagonistes. Le film devient ainsi un témoignage qui rend compte de ses propres conditions de production. La caméra est un outil symbolique qui, créant une occasion de s’exprimer, brise le silence et force la parole de ces anciens combattants. Le film vaut alors moins par sa forme finale – qui est parfois inaboutie (faux raccords, dispositifs parfois trop évidents, etc.) – que par le processus qu’il a permis d’engager. Un film c’est aussi cela, faire quelque chose en groupe pour transmettre une expérience jusque-là refoulée. One Battle Too Many est ainsi une trace subjective – et évidemment mise en forme – qui vaut avant-tout pour les soldats et leurs familles. Le cinéma c’est aussi cela, vivre une expérience collective; puis proposer une histoire toujours qui permette d’accepter ce qui a été.


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